学习心得37 |雷茜涵:沉浸式戏曲编创与实践路径之思

*本文为2026年度国家艺术基金项目《戏游融合：戏曲沉浸式互动编创人才培训》学员学习心得

2026年6月5日下午，国家艺术基金2026年度艺术人才培训资助项目《戏游融合：戏曲沉浸式互动编创人才培训》在成都影视硅谷会议中心第四会议室开展了专题座谈交流会。

课程从近期戏曲跨界传播的热点案例谈起，无论是电视剧《主角》让秦腔走上大众视野，还是电影、短剧、短视频中不断出现戏曲元素，都说明戏曲正在离开单一剧场，进入电视、院线、手机屏幕和社交平台之中。尤其是越剧《我的大观园》的破圈，让我看到传统戏曲在当代并不是没有观众，而是需要找到新的抵达方式。它的成功并不只是因为演员出圈，也不只是因为媒体传播，而是艺术品质、人物魅力、舞台创新、社群互动和城市文旅消费共同作用的结果。这让我意识到，今天的戏曲传播需要思考如何被看见、被讨论、被分享，并进一步转化为持续的文化影响力。

课程中对文旅演艺的分析，也让我对“沉浸式”有了更清晰的理解。早期大型文旅演艺更多依靠山水实景、视听奇观和宏大场面吸引观众，但随着观众审美和消费需求变化，仅仅好看已经不够了。真正能够留下记忆的文旅项目，往往需要有故事、有情绪、有文化内涵，也要能够带动观众的参与和体验。无论是“千古情”系列、“印象”系列，还是“又见”系列、“只有”系列，它们都在提醒我们：文旅演艺不是景区的附属节目，而可以成为地方文化表达、城市形象塑造和消费场景运营的重要内容。对戏曲而言，这也意味着它完全可以从传统舞台走向更开放的文旅空间，在地方故事、历史记忆和观众体验中寻找新的生长点。

我尤其受到启发的是课程对沉浸式戏剧观演关系的分析。传统剧场中，观众坐在台下观看，演员在台上表演，二者之间有相对清晰的边界。而沉浸式戏剧打破了这种边界，让观众可以行走、选择、靠近、参与，甚至在某种程度上影响自己的观看路径。《不眠之夜》等案例说明，观众不再只是被动接受故事，而是在空间中主动寻找故事。由此反观戏曲创作，如果要真正实现沉浸式转化，就不能只是在场景中摆放戏曲元素，而要重新设计剧本结构、人物动线、观众位置和互动机制。戏曲的唱念做打、程式身段、人物关系和情感表达，只有与空间叙事结合起来，才能真正形成沉浸体验。

课程中提到的《西溪水浒》《川剧秀—传奇变脸》等案例，也让我看到经典文本和传统技艺在沉浸式空间中的新可能。《西溪水浒》不是简单复刻《水浒传》，而是通过多线叙事、实景园林和自由探索，让观众在空间中重新进入经典；《川剧秀—传奇变脸》则以川剧变脸为核心，将传统绝活与光影技术、文旅演出结合起来，在保留技艺魅力的同时增强了观赏性和传播性。这些案例提醒我，戏曲沉浸式编创最关键的不是形式是否新奇，而是能否抓住剧种本体中最有价值的部分，并让它在新的空间和媒介中重新发挥作用。

“光”系列沉浸式戏剧给我的触动也很大。《微光》《曙光》《星光·1953》等作品将红色文化、地方历史、沉浸式演艺和公共文化服务结合起来，使观众不只是学习历史，而是通过角色身份、任务设计和场景体验进入历史情境。这样的创作让我意识到，沉浸式戏剧不仅可以服务商业文旅，也可以服务红色教育、社区文化和公共文化建设。它的价值不只是娱乐，而是通过体验让观众获得情感认同和精神连接。

通过这次学习，我更加明确地认识到，沉浸式戏曲编创的核心仍然是“戏”，而不是技术和空间本身。技术可以制造震撼，空间可以营造氛围，互动可以提高参与感，但真正打动观众的，仍然是人物、情感、故事和戏曲自身的美学精神。如果离开了剧种特色和艺术本体，所谓沉浸式很容易变成空洞的场景包装；如果只守着传统形式，不理解当代观众的观看习惯和体验需求，戏曲也很难真正走进新的受众群体。

因此，我认为未来的沉浸式戏曲编创应当在守正与创新之间寻找平衡。一方面，要深入理解戏曲的唱腔、身段、程式、剧目和精神内核，不能让传统只剩下视觉符号；另一方面，也要积极理解文旅、短视频、游戏、影视和社交媒体等新媒介环境，思考观众如何进入、如何参与、如何产生情感记忆。只有当戏曲既保留自身的艺术根脉，又能够以当代人可感、可入、可互动的方式重新呈现时，沉浸式戏曲才可能真正实现从“舞台演出”到“生活体验”的转化。这堂课让我意识到，戏曲的当代发展并不是简单地追求“破圈”，而是要在破圈之后真正留下文化理解和审美认同。沉浸式编创不是让戏曲变得不像戏曲，而是让戏曲在新的空间、新的媒介和新的观众关系中，被重新看见、重新进入、重新感受。这也将成为我之后继续学习和思考“戏游融合”时非常重要的方向。