讲座回顾|王羚:场上之戏 影中之戏——戏曲剧本与戏曲电影剧本创作比较

闽剧《双蝶扇》，便是这套创作理念的生动实践。舞台版充分挖掘儒林戏“腔多字少”的音乐特色，故事摒弃了俗套的大团圆结局。剧本聚焦普通人被命运裹挟的人生困境，歌颂人物在隐忍与成全之中，实现自我人格的成长与圆满。故事不做非黑即白的人物设定，男女主角最终没能走到一起，强行团圆反而会伤害故事里其他无辜的角色。作品想传递的内核：纵使人生风雨不断，内心依旧要守住一份阳光。另外舞台创作有现实考量，部分唱段不只为推进剧情，也承担给演员换装的功能，保证舞台演出观感不会出现断层。

改编电影版时，主创秉持“不消解戏曲，而是用镜头放大戏曲神韵”的原则，采用“实景虚拍、虚景实拍”的创作手法。真实外景会筛除繁杂现实元素，营造诗意的国画意境；棚内虚拟布景，也按照真实场景的标准打磨。

不少情节都做出适配镜头语言的调整：洞房段落增加酒杯特写，铺垫女主角醉酒的状态；镜前独白加入男主角悄然入场的悬念，借镜子完成人物相遇；删掉舞台上专为换装设置的大段唱词；结尾舍弃大段抒情唱段，依靠昼夜流转、月亮升起的镜头变化，表现时间流逝，新芽破土而出的画面，直观展现主角破茧重生、满怀希望的精神状态。

导演的选择也体现了编剧的创作态度。王羚老师坦言自己放弃了一位名气响亮，但对剧本内核理解有偏差的知名导演，选择新人江涛，核心标准就是能否读懂剧本的精神内核。这部影片之后斩获金鸡奖，王羚老师坦言，这份荣誉更多归功导演与制片团队，自己只负责夯实舞台版的文学根基。

秦腔《再续红梅缘》的影视化改编，则更考验其创作的魄力。原版舞台剧已经上演上千场，拥有深厚的群众基础。想要解构成熟经典，团队承受不小压力。编剧和院方反复沟通两小时，说服主创大胆革新，剧本最终改动达到七成到八成。

原版剧本存在人物动机悬浮的问题，男主角裴瑞卿一上场就空谈家国大义，却丝毫不挂念失踪三年的爱人李慧娘，人物行为逻辑难以说服观众。改编之后，裴瑞卿开篇就满怀相思四处寻访恋人，家国情怀后置，放在他弹劾奸臣贾似道之后再展现，家国理想扎根于个人真情，人物才更加立体可信。二人西湖相逢，先闻琴箫之声，再睹真人，不见其人先感其情，氛围感十足。

大量舞台直白的戏剧冲突，则被转化为含蓄的镜头暗示，如蟋蟀鸣叫、窗纱轻轻落下，暗示暗处有人监视，渲染危机四伏的氛围；李慧娘为保全爱人，故意说出绝情狠话逼他离开；死亡场景不用直白的血腥画面，漫天红梅花瓣飘落，以戏曲独有的写意方式表现死亡。

鬼魂段落充分发挥艺术想象力，编剧认为艺术不完全拘泥于现实生活，塑造鬼神形象，不必完全套用普通人的行为模式。地府场景跳出生活化的表达，闪电迷雾之中，生死簿从天而降，小鬼凌空翻腾接簿，强化冥界奇幻色彩；人鬼相见层层铺垫，依靠声音、面纱、梅花簪等细节逐步确认身份，阴阳扇挥动，身影骤然消散，把人鬼殊途的悲痛传递给观众。

道具细节也贴合宋代的时代背景，打斗打翻灯笼，燃烧的烛签化作火把，不再凭空出现火炬。秦腔喷火的绝活不再用于反派之死，避免表演技巧盖过剧情本身。配角形象也更加丰满，卢昭容不再是工具化角色；贾府的姬妾也并非全部奸恶，她们内心敬佩刚烈的女性，只是缺少反抗的勇气，折射出古代一群女性的生存困境。结局增添孟婆、判官的温情刻画，铁面判官也会被真挚情感打动。容貌相同的卢昭容，请求顶替李慧娘尽孝，升华女性之间彼此体恤的动人情谊。

讲座的最后，王羚老师也分享了创作者的切身感悟。一部作品问世，鲜花掌声和批评非议往往相伴而来，非议也是创作路上的修行。想要打磨好作品，创作者往往要付出身心的代价。戏曲电影改编，戏曲一方不要一味抵触电影语言，电影团队也不能完全用普通商业故事片逻辑改造戏曲，双方互相理解，找到美学平衡点，才能诞生优质作品。挑选合作对象，不要迷信行业头衔，读懂剧本内核才是第一准则。面对沉浸式演出、实景戏剧、各类新媒体，戏曲人要拓宽眼界，主动思考媒介变化带来的叙事与美学革新，拒绝固步自封。

戏曲与电影相遇，不该是一方改造另一方，而是双向的彼此成就。借镜头放大传统神韵，用光影延续写意之美，以真挚情感连接古今，戏曲电影才能在新媒体时代生生不息。