戏曲是活体文化?

戏曲是活态而非活体

但凡稍有戏曲常识的人都清楚，戏曲作为国家级非物质文化遗产，其核心定义永远是活态艺术。可在近期的一场公开访谈中，黄梅戏演员韩女士将其表述为“活体艺术”，一字颠倒、一词之差，看似是口误的细微疏漏，实则暴露了对戏曲艺术本质认知的偏差，更折射出当下戏曲传承中，部分从业者专业功底不扎实、文化敬畏心缺失的隐性问题。

“活态”与“活体”，读音相近、字形相似，却是完全不同的两个概念，更是区分戏曲艺术核心内涵与普通生命体的关键边界。所谓活体，特指拥有生命体征、可独立呼吸生长的生物实体，指向具象的、肉身化的生命个体，是生物学层面的基础定义，与艺术的文化属性、传承属性毫无关联。

而戏曲所坚守的活态，是非遗传承的专属专业概念，承载着中华传统艺术千年的发展逻辑与文化密码。权威非遗理论明确界定，戏曲的活态传承，核心在于以人为载体、以传承为核心、以发展为生命力。它从来不是固化不变的文物标本，也不是静止封存的文字典籍，而是依靠一代代戏曲人口传心授、言传身教，在唱念做打的程式延续、流派风格的迭代传承、时代审美的适配创新中，生生不息、代代更新的动态艺术体系。

作为五大剧种之一、极具地域文化特色的黄梅戏，更是活态艺术最生动的践行者。从田间地头的山野小调，到规整成熟的舞台大戏；从传统经典剧目代代复排打磨，到新编现代戏贴合时代语境创新；从老艺术家倾囊相授守正固本，到青年演员深耕舞台破圈传播，黄梅戏的生命力，恰恰源于这份“活态特质”。它保留着传统戏曲的美学内核与程式精髓，又始终贴合大众生活、紧跟时代步伐，在继承中发展，在发展中新生，这正是活态艺术“守正不泥古，创新不离宗”的核心要义。

戏曲艺术的专业性，藏在每一个专业术语、每一处艺术定义、每一份文化认知里。对于普通观众而言，一字之差或许无关紧要，但对于深耕戏曲行业、以传承黄梅戏为使命的专业演员来说，艺术概念的精准认知，是从业的基础底线，更是传承的根本前提。演员是戏曲传承的核心载体，其一言一行、一词一句，都代表着剧种的专业水准，影响着大众对传统戏曲的认知。

公开访谈是面向大众的文化传播场景，绝非随意表达的私人场合。在公共平台错用艺术专业概念，不仅容易误导普通观众，混淆非遗艺术的核心定义，更会消解戏曲艺术的专业性与严肃性。试问，若从业者自身都对剧种的核心属性认知模糊、概念混淆，又如何精准传承经典、讲好戏曲故事、扛起传统文化传播的重任？

当下传统戏曲正处在守正创新、破圈复苏的关键时期，大众对戏曲的关注度日益提升，传统文化的传播环境愈发向好。越是如此，戏曲从业者越要常怀敬畏之心，深耕专业、夯实功底，精准把握戏曲的艺术本质与文化内涵，杜绝概念混淆、认知浅薄的低级失误。

一字之差，是专业与外行的距离，是敬畏与敷衍的分界。戏曲从来不是具象的“活体”，而是流淌文脉、生生不息的活态。唯有每一位戏曲人精准认知艺术本质、坚守专业底线、深耕传承初心，才能让黄梅戏这一江南雅韵、让中华所有传统戏曲，真正活在当下、薪火永续、岁岁常青。