戏曲常识
1.五大剧种：京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧
2.世界三大古老戏剧文化：中国戏曲、希腊悲剧、印度梵剧
3.四大行当：生、旦、净、丑
4.经典曲目：关汉卿的《窦娥冤》、马致远的《汉宫秋》、汤显祖的《牡丹亭》等
5.戏曲中的唱腔大体可分为三种类型：抒情性唱腔、叙事性唱腔、戏剧性唱腔
6.谱色分类：
一般情况下，脸谱的脑门和两颊部位的颜色构成脸谱的主色，谱色分类就是按照脸谱的主色来分类：红脸、粉红脸、紫脸、黄脸、蓝脸、绿脸、黑脸、白脸、瓦灰色脸、金银脸
7.表演方式：唱、念、做、打
8.主要艺术特征：综合性、虚拟性、程式性
中国戏曲是由民间歌舞、说唱和滑稽戏融合发展而成的综合舞台艺术，起源于原始歌舞，经过先秦俳优、汉代百戏、唐代参军戏等阶段，至宋元时期形成完整艺术体系。其集文学、音乐、舞蹈、美术、武术等艺术形式于一体，以“唱、念、做、打”为核心表演手段，通过程式化、虚拟性和综合性等艺术特征，结合脸谱妆容、行当分工（生、旦、净、丑）及象征性动作演绎故事。
戏曲音乐以方言声韵为基础，分为抒情性、叙事性与戏剧性唱腔，伴奏包含文场（管弦乐器）或武场（打击乐），并通过甩发、圆场、鹞子翻身等程式化技巧强化表现力。戏曲在元杂剧（采用“四折一楔”结构体制）、明清传奇等阶段达到艺术高峰，现存剧种逾360种，涵盖京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧五大剧种及昆曲、秦腔、川剧、越剧等地方剧种。近现代戏曲在继承中创新，袁雪芬通过越剧《祥林嫂》首创编导音美综合机制，并涌现《白毛女》、《将相和》等融合传统与时代精神的作品。
明程羽文为沈泰选编的《盛明杂剧》作《序》写道：“曲者歌之变，乐声也；戏者舞之变，乐容也。”清吴伟业为李玉的《北词广正谱》作《序》时，表述说：“今之传奇，即古者歌舞之变也。”
戏曲音乐是中国汉族戏曲中的音乐部分,包括声乐部分的唱腔、韵白和器乐部分的伴奏、开场及过场音乐。其中以唱腔为主，有独唱、对唱、齐唱和帮腔等演唱形式，是发展剧情、刻画人物性格的主要表现手段。唱腔的伴奏、过门和行弦起托腔保调、衬托表演的作用。开场、过场和武场所用的打击乐等则是渲染气氛、调节舞台节奏与戏曲结构的重要因素。
戏曲是中国传统戏剧的一个独特称谓。历史上最先使用戏曲这个名词的是宋代刘埙（1240-1319），他在《词人吴用章传》中提出“永嘉戏曲”，他所说的“永嘉戏曲”，就是后人所说的“南戏”、“戏文”“永嘉杂剧”。从近代王国维开始，才把“戏曲”用来作为中国传统戏剧文化的通称。戏曲最显著、最独特的艺术特点就是“曲”,“曲”主要由音乐和唱腔两部分构成,辨别一个地方戏剧种主要依靠声腔、音乐旋律和唱念上的地方性语言,如：四川的川剧、浙江的越剧、广东的粤剧、河南的豫剧、西北的秦腔、山东的吕剧、福建的闽剧、湖北的汉剧、河北的评剧、江苏的昆剧等。
戏曲是中国传统艺术之一，在世界戏剧史上独树一帜，其主要特点，以集古典戏曲艺术大成的京剧为例，一是男扮女（越剧中则常见为女扮男）；二是划分生、旦、净、丑四大行当；三是有夸张性的化装艺术--脸谱：四是“行头”(即戏曲服装和道具)有基本固定的式样和规格；五是利用“程式”进行表演。中国民族戏曲，从先秦的“俳优”、汉代的“百戏”、唐代的“参军戏”、宋代的杂剧、南宋的南戏、元代的杂剧，直到清代地方戏曲空前繁荣和京剧的形成。
萌芽期--先秦：其最早可以追溯到上古时代用来娱神的原始歌舞。在许多古老的农村，还保持着源远流长的歌舞传统，如“傩戏”；同时，一些新的歌舞如“社火”、“秧歌”等适应人民的精神需求而诞生。《诗经》里的“颂”，《楚辞》里的“九歌”，就是祭神时歌舞的唱词。从春秋战国到汉代，在娱神的歌舞中逐渐演变出娱人的歌舞。从汉魏到中唐，又先后出现了以竞技为主的“角抵”（即百戏）、以问答方式表演的“参军戏”和扮演生活小故事的歌舞“踏摇娘”等，这些都是萌芽状态的戏剧。
形成期--唐代：中唐以后，中国戏剧飞跃发展，戏剧艺术逐渐形成。教坊梨园的专业性研究，正规化训练，提高了艺人们的艺术水平，使歌舞戏剧化历程加快，产生了一批用歌舞演故事的戏曲剧目。
发展期--宋金：宋代的“杂剧”，金代的“院本”和讲唱形式的“诸宫调”，从乐曲、结构到内容，都为元代杂剧打下了基础。
成熟期--元代：到了元代，“杂剧”就在原有基础上大大发展，成为一种新型的戏剧。它具备了戏剧的基本特点，标志着中国戏剧进入成熟的阶段。如关汉卿的“窦娥冤》、马致远的《汉宫秋》等作品。元杂剧的剧本体制，绝大多数是由“四折一楔”构成。
繁荣期--明清：戏曲到了明代，传奇发展起来了。明代传奇的前身是宋元时代的南戏（南戏是南曲戏文的简称，它是在宋代杂剧的基础上，与南方地区曲调结合而发展起来的一种新兴的戏剧形式。温州是它的发祥地）。南戏在体制上与北杂剧不同：它不受四折的限制，经过文人的加工和提高，这种本来不够严整的短小戏曲，终于变成相当完整的长篇剧作。例如高明的《琵琶记》就是一部由南戏向传奇过渡的作品。这部作品的题材，来源于民间传说，比较完整地表现了一个故事，并且有一定的戏剧性，曾被誉为“南戏中兴之祖”。
明代中叶，传奇作家和剧本大量涌现，其中成就最大的是汤显祖。他一生写了许多传奇剧本，《牡丹亭》是他的代表作。作品通过杜丽娘和柳梦梅死生离合的故事，歌颂了反对封建礼教，追求幸福爱情，要求个性解放的反抗精神。作者给爱情以起死回生的力量，它战胜了封建礼教的束缚，取得了最后胜利。这一点，在当时封建礼教牢固统治的社会里，是有深远的社会意义的。这个剧作问世三百年来，一直受到读者和观众的喜爱，直到今天，“闺塾”、“惊梦”等片断还活跃在戏曲表演的舞台上。
明后期的舞台，开始流行以演折子戏为主的风尚。所谓折子戏，是指从有头有尾的全本传奇剧目中摘选出来的出目。它只是全剧中相对独立的一些片断，但是在这些片断里，场面精彩，唱做俱佳。折子戏的脱颖而出，是戏剧表演艺术强劲发展的结果，又是时间与舞台淘洗的必然。观众在熟悉剧情之后，便可尽情地欣赏折子戏的表演技艺了。《牡丹亭》中的“游园”、“惊梦”，《拜月亭记》中的“踏伞”、“拜月”，《玉簪记》中的“琴挑”、“追舟”等众多的折子戏，已成为观众爱看、耐看的精品。
明末清初的作品多是写人民群众心中的英雄，如穆桂英、赵匡胤等。这时的地方戏，主要有北方梆子和南方的皮黄。京剧是在清代地方戏高度繁荣的基础上产生的。在同治、光绪年间，出现了名列”同光十三绝“的第一代京剧表演艺术家及不同流派的宗师，标志着京剧艺术的成熟与兴盛。不久京剧向全国发展，特别是在上海、天津，京剧成为具有广泛影响的剧种，将中国的戏曲艺术推进到一个新的高度。
革新期--近代：辛亥革命前后，一批有造诣的戏曲艺术家从事戏曲艺术改良活动，著名的有汪笑侬、潘月樵、夏月珊等，他们为以后的戏曲改良积累了宝资的经验。从1919年“五四运动”到中华人民共和国成立，在这段时期内，一些志之士对戏曲进行了改革。
梅兰芳在“五四"前夕演出了《邓粗姑》《一缕麻》等宣传民主思想的时装新戏，周信芳、程砚秋等也创作了不少的作品。袁雪芬则高举越剧改革之大旗，主演鲁迅名著《祥林嫂》，在中国戏曲中率先形成了融合编、导、舞、音、美为一体的综合艺术机制。“率先开始了中国戏曲艺术大写意与大写实相结合的机制。
争辉期--现代：新中国成立后，涌现了一批优秀剧目，如京剧《将相和》、《白蛇传》，评剧《秦香莲》、越剧《梁山伯与祝英台》等，著名历史学家吴晗还撰写了历史京剧《海瑞罢官》。以后又陆续推出一系列优秀作品，如京剧《白毛女》、《红灯记》、《奇袭白虎团》，越剧《西厢记》，评剧《刘巧儿》沪剧《芦荡火种》，豫剧《朝阳沟》等。
第一种是抒情性唱腔，其特点为速度较缓慢，曲调婉转曲折，字疏腔繁，抒情性强。它宜于表现人物深沉而细腻的内心感情。许多剧种的慢板、大慢板、原板、中板均厉于这-类。
第二种是叙事性唱腔，其特点为速度中等，曲调较平直简朴，字密腔简，朗诵性强。它常用于交代情节和叙述人物的心情。许多剧种的二六、流水等均属于这一类。
第三种是戏剧性唱腔，其特点为曲调的进行起伏较大，节奏与速度变化较为强烈，唱词的安排可疏可密。它常用于感情变化强烈和戏剧矛盾冲突激化的场合。各戏剧中的散板、摇板等板式曲调都属于这一类。
一般情况下，脸谱的脑门和两颊部位的颜色构成脸谱的主色，谱色分类就是按照脸谱的主色来分类。
谱色有相对固定的象征意义和特殊寓意，表现人物的基本性格特征。这是在长期的戏曲演出中，观演之间互动对话、约定俗成的结果。
红脸：表示忠勇耿直，有血性的勇烈人物。如关羽、赵匡胤、等。但也有例外，如《法门寺》中反面人物刘瑾就勾红脸，这里有讽刺之意，使人一看便知是个擅权的太监。
粉红脸：表示年迈气衰，德高望重的忠勇老将。如廉颇、袁绍等。
紫脸：表示刚毅威武、稳重沉着的人物。如常遇春等。
黄脸：表示武将骁勇善战、残暴，如典韦等；表示文士内有心计，如姬僚等。
蓝脸：表示刚直勇猛、桀骜不驯的人物。如窦尔墩、夏侯惇等。
绿脸：表示侠骨义肠、性格暴躁的人物。如程咬金、青面虎等。
黑脸：表示忠耿正直、铁面无私，或粗率莽撞的人物。如包拯、张飞、夏侯渊等。
白脸：又分水白脸和油白脸。水白脸表示阴险奸诈、善用心计。如曹操、赵高、严嵩等。白脸多用于反面人物，但也有例外，如鲁智深、杨延德（杨五郎）等。
瓦灰色脸：表示老年枭雄。
金银脸：一般用于神、佛、鬼怪，象征虚幻之感。如二郎神、金翅鸟等。也用于一些英勇无敌的将帅或番邦将帅。如李元霸、金兀术等。
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